El físico y poeta Agustín Fernández Mallo escribe en su recomendable y controvertido ensayo Postpoesía (Anagrama, 2009) que “La ciencia posmoderna entiende ya que los procesos físicos no son lineales, es decir, que si junto A y B, no obtengo el sistema A+B sino A+B+?…”

Esta ecuación, que ahora explica la ciencia, ya la conocía el arte. Sucede cuando un (buen) arquitecto asocia dos materiales y genera un espacio inédito; sucede cuando un (buen) poeta convoca dos palabras que nunca antes habían sido aproximadas y crea un nuevo sentido; y sucede, A+B=P2, cuando Woody Allen, inmenso retratista de ciudades, reúne sesenta fotografías, así sin más, y se limita a barnizarlas con “Si tu vois ma mère”, de Sidney Bechet, el gran clarinetista de Nueva Orleans y parisino de adopción a quien se tendría por el primer gran solista de la historia del jazz si no fuera por un tal Louis Armstrong.

Técnicamente, no es más que un maldito powerpoint con música. Pero, en manos de Woody Allen, es una joya.

Así arranca Midnight in Paris (2011). Uno se sienta en un cine, se apagan las luces, se ilumina una pantalla enorme y se siente atrapado durante tres minutos.

Una delicia.

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Una vez escuché una conferencia de Luis García Montero en la que alguien le preguntó por el consabido asunto de la "inspiración" en poesía. Entonces Luis contó cómo conoció a su amigo y también poeta Felipe Benítez Reyes.

Y es que, además de poeta, Felipe Benítez Reyes también ejercía como crítico literario. Luis contaba que una vez leyó una crítica suya a un libro de poesía e inmediatamente decidió que tenía que ser su amigo por dos motivos: uno, por lo bien que le había caído, y dos, para tratar de evitar que alguna vez escribiera algo así sobre él. La crítica que había escrito Felipe a aquel poemario constaba de una sola frase, que venía a ser algo así: “En la solapa del libro se dice que la autora lo escribió en un arrebato poético de tres días. Después de leer la obra, el lector se preguntará por qué tardó tanto”.

Y me acordé de todo esto porque me he topado en el blog de Felipe Benítez Reyes, Mercado de Espejismos, con un artículo suyo sobre Leonard Cohen, de quien se ha escrito mucho recientemente, pero en pocos casos de forma tan bella.
Y ya está. Valga como homenaje a estos tres poetas en particular, y en general al mundo de la poesía, al mundo del rock y a sus afortunadas intersecciones.
Por la gracia de Dylan.

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Hoy, en Homenajes Porque Sí, Tete Montoliu.

Merodeo introductorio multidisciplinar propio de un blog como Palabras
En 1971, año en que se rueda la primera entrega de Harry el Sucio, Clint Eastwood, gran amante del jazz, debuta como director con “Play Misty for me”. “Misty” es una de las baladas míticas de la historia del jazz y es la composición más famosa de Erroll Garner, una leyenda del piano, con letra de Johnny Burke.
Años después sería adaptada al catalán por el escritor Jaume Picas, que además fue el autor, junto a Josep Maria Espinàs, de la letra del Himno del Fútbol Club Barcelona, con música de Manuel Valls i Gorina, estrenado en el Camp Nou en 1974, año del nacimiento de Fko.

Grande Tete
Tete Montoliu, ciego de nacimiento, catalanísimo y con un humor envidiable, en referencia al origen afroamericano del jazz, dijo “Yo cuando me miro al espejo me veo negro”. Consagrado como el mejor pianista que ha dado el jazz español y después de haber compartido escenarios con la élite del jazz mundial, afirmaba que si se dedicó al piano es porque no pudo ser futbolista del Barça.
Varias de estas citas están extraídas de un encuentro entre Tete Montoliu y otro genio recientemente fallecido, Enrique Morente, recogido en esta recomendable entrevista de Ricardo Aguilera. Ahí encontramos esta referencia de Tete a los ensayos y a lo que él esperaba de su relación con los músicos:
“Es muy importante que haya un contacto humano, que vayamos a comer, que vayamos a beber, que hablemos de cualquier cosa. Recuerdo muy bien los ensayos que tenía con Dexter Gordon, vuelvo a referirme a él. Nos citaba en Copenhague a las cuatro de la tarde y el ensayo consistía en tomar café, unos whiskys y allí nos explicaba la vida. Cuando terminaba decía que ya habíamos ensayado.”
Aquellos ‘ensayos’ con Dexter Gordon daban resultados como este.

Se trata de una versión de Billie’s Bounce, el clásico de Charlie Parker, genio y revolucionario absoluto del jazz, maestro del saxo alto e iniciador del bebop, a cuya biografía Clint Eastwood dedicó su película “Bird”.

Cerramos el bucle
De la mano de Clint regresamos al párrafo introductorio y llegamos al 23 de abril de 1996. Ese día, un año antes de dejarnos, Tete Montoliu interpreta “Misty” de Erroll Garner, adaptada por Jaume Picas como “Tot es gris”, con su amigo (y también culé hasta la médula) Joan Manuel Serrat, también genio pero de otro barrio musical, que se mete en un estándar del jazz y lo resuelve con discreción. Se agradece.

Pequeño epílogo en forma de coplilla
Y ya que salió por ahí el nombre de Enrique Morente, cerremos con un cuarteto que algún día me dio por bosquejar escuchando al maestro y que podría titularse, a la manera de un blues, Soleares para Tete:

Con otras faltas depende
pero si me faltas tú
el único que me entiende
es el Tete Montoliu.

Fuentes:
wikipedia
lainfinitaespiral.blogspot.com
Ricardo Aguilera

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Hace unos meses compartí con vosotros un soneto que pretendía ser una arenga para movilizar nuestras filas (empezando por mí, esta soldado que escribe). Una llamada a sacudir de nuestra espalda la rutina, a salir de la formación, a huir por una vez del orden, del sendero seguro pero a veces excesivamente estrecho. Mudanza defendía la apuesta por lo imprevisible, lo desconocido. La proposición era arriesgada, cierto, pero no me negaréis que también infinitamente más rica e inagotable.

No tardasteis en pronunciaros al respecto y comentar vuestros diferentes puntos de vista. Pero además hubo alguien, nuestro rapidísimo josemalo, que enseguida respondió sumándose a la propuesta y que lo hizo, además, en verso (!). Contestó con dos tercetos entusiastas y magníficos. Éstos, a su vez, tiraron del hilito de dos cuartetos más que se asomaban ya a mis dedos…
Así fue como vio la luz, un cinco de mayo, este SONETO AL REVÉS A CUATRO MANOS, DIALOGADO, que después se llamó Hierbabuena. Lo parimos a medias, y nació como una premonición de primavera de otras colaboraciones que, como no podía ser de otro modo, llegarían poco después (nos traerían, de hecho, mieses dulces de verano cosechadas en la Puebla de Cazalla, Sevilla).
Hierbabuena tiene música, casi nació ya con música. Nuestra intención es poder cantarla algún día también a medias, en vivo y en directo, con todos los espontáneos que quieran unirse a nosotros. Mientras llega ese momento, y para ir abriendo boca (y practicando, si os apetece), os recuerdo el soneto y os adelanto un borrador de su versión musical. Toda una declaración de intenciones a ritmo de rumbas para entrar en este otoño ligeros de equipaje, provistos de ilusión y de capacidad de sorpresa… y de poco más. El resto, al fin y al cabo, es prescindible.

-Me apunto a tu minuta, respiro clorofila,
incendio la maquila de las hojas de ruta,
abandono la gruta, dilato las pupilas,
si admites un recluta te llevo la mochila,
me salgo de la fila de los hijos de puta,
si otro pone la fruta me encargo del tequila.

-¡Admitido, recluta! Quedamos en el puente.
No olvides proveerte de tus ojos de niño,
de alegría sin causa, de sueños sin aliño,
de un par de zapatillas de estilo impenitente.

Y déjate en la gruta el lastre de la pena.
Yo llevo los limones pa preparar mojitos.
Echa también un ciento de versos infinitos.
Por supuesto, te toca a ti la hierbabuena.

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(Por Joaquín Sabina)

Esa voz que se juega la vida,
esos ojos llenando el vacío,
esos dedos hurgando en la herida,
esa liturgia del escalofrío.

Ese orgullo que pide disculpas,
ese sentarse para estar erguido,
ese añejo sabor de la pulpa
visceral del limón del olvido.

Esa revolución de la amargura,
ese inventario de la mala suerte,
ese tratado de la desmesura.

Ese cómo, ese qué, ese hasta cuándo,
ese pulso ganado a la muerte,
ese Enrique Morente cantando.

Debby no sabe nada, pero al menos sabe llorar.

Acaba de nacer. Estamos en 1953 y la pequeña Debby no sabe nada. No puede saber, por ejemplo, que tiene un padre, Harry, que a su vez había nacido 26 años antes en Plainfield, New Jersey, y probablemente lloraba igual que ella ahora.
Tampoco sabe, no puede saber, que su abuelo es profesor de golf y es alcohólico. Ni que su abuela es medio rusa y le gusta tocar el piano.
Tampoco sabe que tiene un tío, el tío William.

No todos los recién nacidos tienen un tío. Y menos un tío William. Pero ella tampoco puede saber esto, de modo que, a falta de una ocupación más atractiva, sigue llorando.
El tío William también había nacido en Plainfield, New Jersey, dos meses antes del crack de la Bolsa de Nueva York, en realidad muy cerca de una de las catástrofes más populares de la historia moderna, tanto que da vértigo pensarlo. Pero Debby, ni idea. Lo suyo sí que era vértigo, de una escala inabarcable… Aunque ni eso sabía, se limitaba a sentirlo.
William es dos años menor que su hermano Harry, al que adoraba. Cuando eran pequeños no hacía más que imitarle. Si Harry echaba a correr, William salía detrás. Si Harry iba a jugar al golf con su padre, William iba detrás. Si Harry se apuntaba a clases de piano por influencia de su madre medio rusa, que a saber de qué helada ventolera genealógica le venía la afición, allá que iba William y se apuntaba también.

Ahora Debby está empezando a caminar y se dispone a cubrir un trayecto de 80 cm entre Harry y el tío William, que acaba de volver del ejército. Ya sabe algunas cosas. Sabe, por ejemplo, que tiene un padre, aunque no conozca ni gestione la palabra “padre”. Y sabe, como mínimo, que existe el tío William, algo es algo. Aunque, para ser sinceros, aun no le atribuye ese parentesco con nitidez.
No sabe, en cambio, que aquellos genes rusos que traían remotos valses de nieve finalmente se impusieron sobre otras veleidades infantiles de los hermanos Harry y William.
Y otra de las cosas que la pequeña Debby sigue sin saber del tío William es que, cuando tenía sólo 12 años, sustituyó a su hermano Harry como pianista en una orquesta de baile. Ni siquiera William sabía, cuando se dirigía a un ensayo, que en algún momento entre el primer y el último acorde de “Tuxedo Junction”, su vida iba a dar un giro trascendental: descubrió que podía inventar una frase completamente nueva sobre las notas que estaba tocando. Cómo iba a saber Debby algo así, a quién le importa eso cuando tiene puesta toda su concentración en no precipitarse fatalmente a ese vacío, allí abajo, donde todo termina en un estruendo, y en llegar a los brazos del tío William, que la espera sonriendo en cuclillas para festejar la travesía.

Estamos en 1956 y Debby, de tres años, ya tiene más ubicado al tío William.
No obstante sigue sin saber cosas. No sabe que seis años atrás su tío se había licenciado en música en la ciudad de Hammond del Estado de Louisiana, donde dedicó sus noches a tocar en clubes con compañeros de clase. Ni sabe que después pasó tres años en el ejército, donde siguió tocando con una banda cerca de Chicago, ni que el último de esos años nació ella.
Eso sí, le consta que el tío William la adora. De hecho esto es lo único que le importa a la pequeña Debby de ese sujeto con gafas que viene a menudo a jugar con ella y al que ella también adora en exacta simetría.
Tampoco sabe que a su tío le han ofrecido grabar un disco y él se ha negado porque, aunque ya posee composiciones propias, considera que no tiene “nada que aportar”.
Ni sabe que un día, tiempo atrás, cuando ella sólo tenía semanas, el tío William había acercado una banqueta a un piano con la ilusión de componer una canción para su sobrina Debby. En ese momento el tío William no sabe, no podía saber, que está a punto de escribir una de las páginas más emocionantes e influyentes de la historia de la música del siglo XX.
Será un vals, piensa el tío William. Y posa sus manos sobre el piano.

30 años sin Bill Evans.
Plainfield, 16 de agosto de 1929 – Nueva York, 15 de septiembre de 1980

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Oscar Peterson
(Montreal, 15 de agosto de 1925 – Mississauga, 23 de diciembre de 2007)
Uno de los Grandes, a 85 años de su nacimiento. He acá el maestro:

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Hace unas semanas, Jose (josemalo) y yo (Luisa) decidimos embarcarnos en una aventura creativa: escribir, por primera vez en nuestra vida, letras flamencas. Como estímulo teníamos la convocatoria del III Concurso de Letras Flamencas “Francisco Moreno Galván“, una iniciativa del Ayuntamiento de La Puebla de Cazalla (Sevilla) en homenaje al célebre pintor y poeta que da nombre al certamen. La idea nos pareció muy sugerente y nos pusimos a trabajar. Al cabo de varias semanas de intensa experiencia creativa, de risas, de riñas (…“¡pero chiquillaaaaaa! ¿cómo me rompes la rima consonante al finaaaaal?”- “Si es que eres un talibán… ¡Que no tiene por qué tener todo rima consonante, niño!”) habíamos elaborado a medias una colección de letras a la que llamamos “A Palos (de ciego)”, y que firmamos como “Limón y hierbabuena”, seudónimo que nos parecía muy andaluz, y que de alguna manera tuvo su origen en este blog, en el post Mudanza. Y enviamos las copias solicitadas en las bases, sin más expectativas reales que lo enriquecedora que había sido la simple experiencia de escribirlas…

Hace unos días, nos comunicaron que nuestro trabajo había resultado premiado, sin que pudieran confirmarnos si se trataba del primer, segundo o tercer premio. Eso no se haría público hasta la misma noche del fallo oficial, el cinco de julio en La Puebla de Cazalla, a las nueve de la noche.

Acudimos, por supuesto, a la cita, y aprovechamos de paso la oportunidad para conocernos y vernos por primera vez. Comimos juntos en Granada con los hermanos de Jose, Fran y María del Mar, y su cuñado Koldo, Paco y yo. Fue un Encuentro con mayúsculas, con personas Encantadoras con mayúsculas. El primer regalo del día. Y además fue, por cierto, en el Restaurante Paprika, que dice ser un restaurante, pero en realidad es un paraiso de los sentidos, donde el cariño se nota en cada milímetro (¡ole Marisa!).

Ya en La Puebla, nos dirigimos al Patio de la Ermita, donde tendría lugar el evento. Conocimos personalmente al concejal de cultura, Jose Antonio Durán, que nos atendió de maravilla y nos ayudó a sentirnos muy cómodos desde el principio. Inesperadamente, unos minutos antes de comenzar el acto, supimos (por un lapsus, no estaba previsto que se filtrara esa información aún) que se nos había concedido el Primer Premio del Certamen… ¡No nos lo podíamos creer!

Al concurso, de carácter internacional, se presentaron un total de 41 trabajos, procedentes de toda España pero fundamentalmente de Andalucía, Madrid y Cataluña. También hubo participantes de México y Argentina. Formaban el jurado el poeta Antonio Murciano, el periodista Juan José Téllez y el cantaor Diego Clavel, tres figuras muy representativas del campo de la literatura y del flamenco. Juan José Téllez, periodista y escritor, justificaba así la concesión del Primer Premio a los versos ganadores:

“Se trata de un flamenquísimo diálogo a dos voces en donde la celebración de la vida y el quejío se ponen en valor en femenino y en masculino, con referencias actuales que no traicionan a su espíritu añejo. En la decisión del jurado primó, desde luego, la alta calidad literaria de los versos, aunque destaca a su vez la perfecta sintonía con la métrica jonda y su precisa acentuación, lo que permite su interpretación directa como cante.”

El segundo premio fue concedido a Máximo López Jiménez, de Paradas. El tercero fue para José María Carrillo Ramírez, de Morón de la Frontera. Estamos deseando leer ambos trabajos, para seguir disfrutando y aprendiendo.

Fue una noche mágica, el colofón perfecto de un día en el que no cesábamos de recibir regalos. Fue, como el propio Jose expresaba, “una Noche de Reyes” en pleno julio. En agradecimiento a La Puebla de Cazalla, entregamos al ayuntamiento un pequeño obsequio con una letra “extra”, un fandango dedicado a la memoria de Moreno Galván compuesto en los días anteriores a la entrega de premios, ilustrado por una viñeta de josemalo.

Desde Sevilla habían venido a acompañarnos Esteban, Belén y Luís, amigos de Jose. Luís, que había pasado su infancia en La Puebla de Cazalla, ejerció de anfitrión para terminar la noche, como cierre de lujo, en el Bar Central, una institución en La Puebla frecuentado en su día por Francisco Moreno Galván, repleto de obras y recuerdos suyos, como una memoria viva del artista.

En enero el ayuntamiento tiene previsto publicar un libro con los tres trabajos ganadores. Hasta entonces, aquí os dejamos con el nuestro, y de alguna forma lo devolvemos a Palabras, palabras, palabras… el lugar al que debe su gestación. ¡Gracias!

A palos (de ciego)

1. Bien de altura (Alegrías)
2. Relojes (Cantiñas)
3. La romería (Bulerías)
4. Mariposas (Colombiana)
5. Tarantas del Emigrante (Tarantas)
6. Porque me bebo la vida (Fandangos)
7. En los ojos una venda (Granaínas)
8. Resquicio de certeza (Tarantos)
9. Cuando la noche se enciende (Milonga)
10. Efectos personales (Sevillanas)
11. Jugar con fuego (Soleares)
12. Despedida (Soleares)
13. Tientos de la madrugá (Tientos)
14. Patio de vecinos (Tanguillos de Cádiz)

Limón y hierbabuena

Un amigo mío tiene, en un rincón de su casa, un lema de vida extraído del poema “Defender la alegría como una trinchera” de Benedetti. Me tomo la libertad de copiárselo y desarrollar, a partir del mismo, una visión personal que, más que una visión, es un propósito. Y me tomo también la libertad de compartirlo con vosotros y llamaros a las armas :-)

Los ojos bien abiertos, el cuchillo en los dientes,
las piernas preparadas para saltar al cuello,
los sentidos alerta, consciente de que en ello
me va la vida entera, me planto abiertamente

ante las nubes negras que rodean mi cerco
y me roban, canallas, mi baúl de sonrisas.
Ante mis enemigos, la tristeza, las prisas,
la miseria alevosa. Y así, con gesto terco,

aunque a veces parezca que me rindo y que caigo,
que me abate el contrario, que me deja sin nada,
que he perdido las últimas reservas de alegría,
siempre encuentro las fuerzas para buscar arraigo
y levantar de nuevo el alma y la mirada
defendiendo la plaza de la dicha, que es mía.

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La historia de “La caidita” es tan breve como increíble. Nacida en el seno de “Palabras,…“, con la participación indirecta e inconsciente de algunos de nosotros y realizada en un tiempo récord por Luisa, esta maravilla ya forma parte de la gloriosa historia de nuestra web.

Todo comenzó con la viñeta amor de josemalo, el 16 de Febrero de 2010.
Las reacciones no tardaron en sucederse y una habitual del blog desde el inicio de los tiempos, karurota, hizo el siguiente comentario el 18 de Febrero a las 18:15.

nadie nombra la “otra ” palabra……
por qué, eh?, por qué?
porque no la han visto

yo después de leer los comentarios, ya busqué (al principio no me di cuenta) y
vi amor,
vi odior
y pensé
juuurrrrr

Todo parecía tranquilo hasta que intervino Fko, lo más parecido a un productor que veréis en vuestras vidas, con un comentario el 19 de Febrero a las 12:20:

“vi amor,
vi odior
y pensé
juuurrrrr”

De ahí se puede sacar una canción.
Una gran canción.

Y a partir de aquí, en menos de dos horas (14:15) Luisa le compuso la letra y antes de las 18:00 ya la había interpretado, grabado y enviado.

(…) Cuatro de la tarde. Leo otra vez el comentario de Fran y la letra de la canción. Empieza a sonar la letra en mi cabeza con música y a ritmo de palmas. Y con guitarra, claro. Cojo la guitarra. La canto como me la imagino, más o menos. Me parto de risa yo sola frente al ordenador. Investigo y veo que güindows tiene una grabadora de sonido que me sonaba que estaba por algún sitio. Me meto en ayuda de güindows y averiguo cómo funciona la grabadora. Grabo la canción. Oigo el resultado. Me vuelvo a partir de risa, esta vez a carcajadas (…)

Es para mi un inmenso honor, presentaros en primicia mundial el debut de la La Niña de la Arpujarra.

• Creación original: josemalo
• Interpretación libre: karurota
• Orientación: Fko
• Letra original: Luisa
• Música: Luisa
• Guitarra: Luisa
• Voz: Luisa
• Comercialización y enriquecimiento: Palabras, Palabras, Palabras.

Vi amor,
vi odior
y pensé “juuurrr,
po la gloria de mi madddre,
este tío é complicao:
un fistro de la pradera”.

Vi tu pasao,
vi tu presente,
ay pecadoooor
y tú me llevaste ar huerto
a hasé la caidita
sin ningún remordimiento.

Me orvidaste,
me humillaste
sin motivo,
tal como hicieron contigo
en otros tiempos.

Siento amor,
siento odior
hoy hacia tir.
Que se repite la historia.
Detrás del amor hay odio
y la mejor prueba de eso,
vida mía,
es la memoria.

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A veces, muy de vez en cuando, la música moderna (contemporánea) me sorprende. Bueno, debo matizar, me sorprende constantemente para mal, salvo excepciones.

El disco de debut de la cantautora Paula Saj es una de esas excepciones.

Y el primer single “Despertar del joven anélido con falsas esperanzas“, una genialidad.

Para empezar, lo último que espera uno escuchar en pleno siglo XXI de una cantautora canaria es un Estudio, una pieza de música con un marcado objetivo didáctico. Pero si a eso sumamos que la pieza está a caballo entre la visión emocional del Expresionismo del XX y la contemplación de la naturaleza del Impresionismo del XIX, la confusión es total.

Otra particularidad de este “Despertar del joven anélido con falsas esperanzas” es el comienzo. Donde debería haber, qué se yo, un Preludio, una Obertura, un primer compás… nos encontramos un Intervalo. Un Intervalo extenso, inquietante, que ahoga literalmente la suave melodía, hasta el punto de hacerla totalmente imperceptible. Durante toda la pieza.

Es finalizar el Intervalo y nos envuelve la voz. Qué voz. Dulce, titubeante, firme. Con un carácter más de Juglar que de Trovador, algo totalmente impensable en estos tiempos de música prefabricada y que, como dije al principio, constituye una más que agradable sorpresa.

Pronto entendemos el Leitmotiv de la obra; en apenas unas palabras, con una sencillez inexplicable, nos presenta el motivo conductor. Y casi sin darnos cuenta, nos vemos envueltos en la trágica historia del joven anélido, contada con una sencillez y crueldad que ni la mismísima Naturaleza habría conseguido.

Este Estudio con tintes de Madrigal es tan intenso que os aseguro, vais a necesitar (y querer) escucharlo más de una vez.

Impresionante Paula.

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Ayer, a los 74 años, falleció Mercedes Sosa. Con un registro vocal de más de dos octavas, era conocida como La Voz de América Latina por su música y por su lucha. Desde aqui la recordamos, tan importante, tan imprescindible.

Y gracias a Carlota, por presentármela.

El mes pasado tuvo lugar en Nueva York el “2009 World Science Festival“. En el transcurso del seminario “Notes & Neurons: In Search of the Common Chorus” el músico Bobby McFerrin ofreció una lección magistral de la escala pentatónica.

La escala pentatónica lleva este nombre porque está compuesta de cinco tonos por octava. Se utiliza en muchas canciones tradicionales. Produce una sonoridad ligeramente oriental. Es muy utilizada en el hard-rock, el heavy-metal y el blues. A veces, en clase de música, se enseña a niños y jóvenes a crear canciones cortas basándose en esta escala.

Fuente: Neatorama.

Gracias.

Esa atracción eléctrica y musical que me envolvió aquella noche de Septiembre de 2002 en el Festival del Zaidín fué como una conquista inesperada pero previsible.

Que yo, que presumia de rockero, quedara fascinado por un grupo de pop como aquel que encabezaba los primeros puestos de las listas de los 40 junto a toda esa música sin talento, enlatada y lista para consumir, algún sentido debía tener.

Para mí era casi una desconocida, si bien aquellas canciones despertaron en mí sensaciones que no había vuelto a tener en un concierto desde que “los Cero” nos dieran su “hasta nunca”. Aquella voz perfectamente acoplada a los acordes de una Rickenbacker 360 era sencillamente magistral.

Creo que éramos unas 20.000 almas las que allí nos encontrabámos envueltos en una extraña atmósfera de pop, guitarras afiladas, niñas de papá y cervezas de litro; para broche, Amaral tocó “la noche que la luna salió tarde” de 091 que sólo coreamos los que en ese año casi alcanzábamos los treinta, interrumpidos por algún comentario de un despistado que preguntaba “¿…esa es del primer disco de Amaral?”.

Desde ese día, Amaral formó parte incluso de mi exclusiva y no muy numerosa colección de Cd’s no piratas, adquiridos eso sí, a 6 € cada uno.

Y desde aquel concierto me traslado temporalmente al pasado miércoles, donde sentado en el confortable y alienante sillon de la oficina donde trabajo recibo un e-mail de un TIPO con mayúsculas muy conocido en este blog, en el que leo que Amaral ha grabado un Ep llamado “Granada” con 4 canciones homenajeando a los mejores del rock granadino, entre ellos 091, Lagartija Nick, Los Planetas y Lori Meyers, y que además está disponible para descargar gratuitamente (a ver si alguno de la Sgae toma nota que el pop también es cultura y no sólo negocio); con la misma ilusión de un niño con Bugis de leopardo nuevos, me descargo en el disco duro el Ep, y joder!, mi puto ordenador de empresa no tiene reproductor de mp3 y peor todavía, no tiene tarjeta de sonido y por supuesto tampoco altavoces; bueno, decido continuar “produciendo” para nuestro “maltrecho” sistema bancario unas horas más, y luego en casa tendría la recompensa.

Efectivamente, ya en casa escucho el Ep, y vuelvo a trasladarme a ese concierto de 2002. Obra maestra. Las canciones por lo buenas que son ya garantizan un 50% que este proyecto salga bien, además son versiones perfectamente arregladas y a conciencia, grabadas y cantadas con sentimiento como un homenaje del que se trata, no como aquel disco homenaje a 091, “Partiendo de Cero” en el que Ramoncín, Revolver, La Granja y La Frontera entre otros se encargaron de destrozar canciones que seguramente no habrían escuchado en su vida, pero que la compañía de discos le obligó a grabar. De ese disco sólo se salvan las versiones de Amaral, Miranda Warning y Dorian Gray.

“En tus ojos” (Lapido / Antonio Arias): en mi opinión más Arias que Lapido; editada en el Disco de 091 “Doce canciones sin piedad”; Amaral hace una versión con guitara acustica, guitarra Rickanbacker y Violonchelo.

“Universal” (Lagartija Nick): canción de Mr. y Sr., Antonio Arias. Versión con un toque de psicodelia. Es una canción que Amaral ha versioneado en otras ocasiones, incluso compartiendo escenario con los propios Lagartija Nick.

“Si está bien” (Los Planetas-Jota): esta es una gran canción, que mejora un 100% sin la voz de Jota y otro 100% siendo Amaral quien la canta. Es la versión que más me ha gustado. Sentimiento por doquier. Guitarras potentes y una voz desgarrada que pone un nudo en la garganta al que escucha.

“Luces de Neon” (Lori Meyers): no creo que Amaral haya estado influenciada por este grupo relativamente nuevo, si bien entiendo que han incluido una versión al ser un grupo granadino destacado en el panorama musical actual y con un gran futuro.

De parte de un Granadino y amante del rock, gracias Eva y Juan por este Ep.

No dejéis de escucharlo

Besos y confusión

….el rock nos lleva, nadie sabe dónde.